Categoría: MUSICA
11 Febrero 2009
CARMORVAN
Hector Berliotz (11 de diciembre de 1803 - † 8 de marzo de 1869), Berlioz nació en Francia en La Côte-Saint-André, entre Lyon y Grenoble. Su padre era médico (fue un aficionado a la acupuntura) y envió al joven Héctor a París a estudiar medicina. Berlioz quedó horrorizado por el proceso de disección y a pesar de la desaprobación de su padre, abandonó la carrera para estudiar música. Asistió al Conservatorio de París, donde estudió composición y ópera-
Entre sus amigos estaban, como nos los recuerda Wikipedia, estaba Alejandro Dumas, Victor Hugo y Honoré de Balz. Más tarde, Théophile Gautier escribiría: Me parece que Héctor Berlioz, con Víctor Hugo y Eugène Delacroix forman la Santísima Trinidad del arte romántico. .
No cabe la menor duda, que este compositor francés fue una figura destacada en el desarrollo del romanticismo, es muy conocido por su Sinfonía fantástica, estrenada en 1830, el Réquiem, estrenado en 1837, y su extraordinaria utilización de la orquesta sinfónica que incluía cuatro grupos de metales "antifonales". Gran músico francés y plenamente identificado con el Romanticismo, Se tiene los antecedentes que señalan
Se dice, que Berlioz había sido un romántico innato, que experimentaba intensas emociones desde la más tierna infancia, por ejemplo cuando leía pasajes de Virgilio, y más tarde en una serie de aventuras amorosas. A los 23 años se enamoró de la actriz irlandesa shakesperiana Henrietta "Harriett" Constance Smithson
Se señala, que 1822 la familia Berlioz dio por perdidas las esperanzas en la carrera médica de su hijo y tomó la determinación de retirarle la asignación económica al joven músico, que asistía a clases en el Conservatorio de París, institución que abandona por discrepancias con Reicha, incorporándose al Movimiento Romántico. En estas difíciles circunstancias, compuso Berlioz una ópera, un oratorio, un drama y una misa, conservándose actualmente algunas partes de esta última, que fue representada el 10 de junio de 1825.
Insatisfecho con los resultados obtenidos dirigió sus esfuerzos a la creación de una gran ópera en la línea de Gluck y Spontini -a los que no consideraba técnicamente superiores a él-. Así comienza la composición de Les Francs-Juges que tiene enormes dificultades para ser representada y que acaba siendo destruida por el compositor, que en última instancia decide salvar la espléndida obertura, no obstante, adquiere gran reputación como escritor pero sólo a partir del estreno de su misa se le comienza a tener en cuenta como compositor.
Nos aporta epdlp.com que justamente, con la Sinfonía fantástica opus 14 (1830) produjo una revolución estética por el uso integral de un programa literario (inspirado en la actriz irlandesa Harriet Smithson con la que contrajo matrimonio), y estableció el uso de la música programática como el género dominante en las obras orquestales románticas. En esta obra, así como en Harold in Italy (1834, inspirado en el poema Childe Harold de Lord Byron), para viola y orquesta, el uso de la transformación de un tema constante (ideé fixe, o idea fija), anticipa el género que el compositor húngaro Franz Liszt denominó poema sinfónico, género que utilizaron importantes compositores como Richard Strauss y Richard Wagner, que desarrolló en Alemania la idea conocida como leitmotiv, concepto que utilizó en sus extensas obras, en donde a cada personaje y situación le corresponde su propio leitmotiv o motivo conductor. En 1844 Berlioz publicó el Traité d'instrumentation et d'orchestration modernes (Tratado de instrumentación y orquestación modernas), el primer libro que se ocupaba de este aspecto. En él exponía las diferentes estéticas de la expresión musical. Fue muy apreciado también como obra de consulta. Entre sus títulos más importantes destaca la ópera monumental Les Troyens (1856-1859), en la que la contención por lo clásico da paso a su fervoroso romanticismo e igualmente las óperas Benvenuto Cellini y Beatriz y Benedicto. Otras obras importantes son la sinfonía dramática Romeo y Julieta opus 17 (1836-1838), la cantata La condenación de Fausto opus 24 (1846), la misa de requiem Grande messe des morts opus 5 (1837), el oratorio La infancia de Cristo opus 25 (1850-1854) y la obertura El carnaval romano (1844), obertura de su ópera Benvenuto Cellini (1835-1838). Entre las obras en prosa destacan sus Mémoires (publicadas en 1870, tras su muerte) y Soirées d'orchestre (1853).
En 1827 conoce a la seductora actriz irlandesa Harriet Smithson caracterizada de Ofelia en una representación parisina del drama shakesperiano. Hasta 1832 -y veremos en qué circunstancias-, Berlioz sólo recibiría negativas de la diva ante sus propuestas amorosas.
members.tripod.com nos recuerda, que en 1829 da a conocer su Opus 1, se trata de Huit Scénes de Faust, inspirada en una lectura reciente de la obra de Goethe. Partes de la obra fueron interpretadas el 1 de noviembre en París, pero al no quedar satisfecho, decidió retirar la partitura, que ya había sido impresa.
Agobiado por la situación económica -queda aún un año para ganar el Premio de Roma- ve en las lecciones de guitarra la única vía de saldar las innumerables deudas. En sus memorias, el compositor no dudará en juzgar esta época como la peor de su vida.
El descubrimiento en 1828 de las sinfonías de Beethoven unida a la pasión desaforada por la actriz irlandesa, desembocaron en la composición en 1830 de la Sinfonía Fantástica, donde el compositor relata los ensueños y pasiones de un artista enamorado. Como si la composición de la sinfonía le hubiese despertado de un sueño, Berlioz transfirió sus pasiones amorosas a la joven pianista Camille Moke, con la que llegó a planificar la boda una vez obtenido el Premio de Roma en 1830. Pero la consecución de dicho premio habría de traerle al compositor no pocos perjuicios, ya que en estricto cumplimiento del reglamento del premio, debía permanecer dos años en Italia perfeccionando sus estudios musicales. En aquel país conoció a Felix Mendelssohn, con el que no mantuvo una relación especial.
Se dice, que de la muerte en 1867 de su hijo Louis (7 años antes había fallecido su hermana Adèle), el compositor se sumirá en una depresión de la que no se recuperará. Aún con esto, no renunció a una gira por Rusia en 1868, en la que conocería a un Tchaikovsky de 27 años. Al año siguiente, el 8 de marzo fallecía Berlioz en la rue de Calais de París. Sus restos fueron sepultados en el cementerio de Montmartre.
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10 Febrero 2009
Schuman y Clara
CARMORVAN
Alemania fue cuna de grandes compositores entre ellos el genial y plenamente identificado con el Romanticismo Robert Schuman ((Zwickau, 8 de junio de 1810 - Endenich, Bonn, 29 de julio de 1856).
Gran apasionado, en donde sus obras encierranpasión, drama y tragedia. Une la ilustración literaria con una gran complejidad musical, creando obras de gran intensidad lírica. Estuvo muy propenso a depresiciones , suicidio.
Como nos lo recuerda Wikipedia, de niño Schumann puso de manifiesto sus dotes musicales. Su padre, de profesión editor, le apoyó y le procuró un profesor de piano. A los 7 años Schumann compuso sus primeras piezas musicales.
Se dice, que en esa etapa de su vida no sólo componía obras musicales, sino que también redactaba ensayos y poemas, y de hecho el joven Schumann se identifica tanto con la literatura como con la música. A los 14 años escribe un ensayo sobre la estética de la música. Ya desde que estudiaba en el colegio absorbe la obra de Schiller, Goethe, Lord Byron, así como los dramaturgos de la Grecia Clásica; pero la influencia literaria más poderosa y permanente es sin duda la de Johann Paul Friedrich Richter. Tal influencia puede apreciarse en sus novelas de juventud, "Juniusabende" y "Selene", de las cuales sólo la primera fue concluida (1826). Su interés por la música había sido estimulado desde niño al escuchar tocar a Ignaz Moscheles en Carlsbad, y en 1827 a través de las obras de Franz Schubert y Felix Mendelssohn.
Hay el antecedente, como lo incida Wikipedia, que hacia 1830, Schumann deseaba por encima de todo convertirse en un virtuoso y admiraba la ejecución de los más renombrados concertistas de su época, como Paganini y Liszt. Por tanto, el joven Schumann, de innegable talento como pianista, se empleó a fondo en perfeccionar su técnica de teclado, siendo sólo el azar o el destino lo que le obligó a abandonar este camino y convertirse finalmente en uno de los más reconocidos compositores de su siglo.
Entre sus amigos se encontraba Friedrich Wieck (padre de Clara, su futura esposa), notable pedagogo musical, que le dio lecciones. Después de abandonar a Wieck prosiguió solo estudiando piano. Existen varias fuentes que difieren respecto a cómo dañó Schumann su mano derecha en 1830, siendo la más aceptada la de que para fortalecer el dedo anular ideó un aparato que de hecho lo inutilizó casi completamente (la musculatura del dedo anular está conectada al dedo corazón, convirtiéndolo en el dedo más débil). Otras fuentes citan la cirugía fallida, o incluso los efectos secundarios de la medicación para la sífilis. De cualquier modo, las esperanzas de Robert Schumann de emular a los virtuosos, o tan siquiera de llegar a destacar como concertista, se desvanecieron.
Desde su adolescencia Schumann había compaginado sus diversas actividades y estudios con la composición y ya había creado obras importantes, sobre todo para piano, pero también sinfónicas y de cámara. Desde ese momento se entrega con pasión a la composición, comienza a estudiar teoría con Heinrich Dorn, director de la ópera de Leipzig, y considera la posibilidad de escribir una ópera sobre Hamlet.
Se sabe que la muerte en 1833 de su cuñada Rosalie y de su hermano Julius le causaron una crisis nerviosa e intentó suicidarse. Las crisis, depresiones, intentos de suicidio y periodos de reclusión completa fueron frecuentes en la vida de Schumann y se acentuaron a partir de 1844, continuando en aumento hasta su muerte (incluso llegando a escuchar voces y experimentar alucinaciones). Este declive psíquico se relacionó inicialmente por los historiadores del siglo XIX con la sífilis (o con el desastroso tratamiento médico a base de mercurio, habitual en la época y casi peor que la enfermedad en sí), pero la posibilidad ha sido descartada debido a que los síntomas de desequilibrio mental de Robert Schumann ya eran evidentes desde su juventud, antes de que cualquier síntoma de la sífilis pudiera haberse manifestado. La teoría más aceptada actualmente es que padecía de trastorno bipolar (enfermedad maníaco-depresiva). Pero la gran intensidad creativa de Schumann se concentraba en sus periodos de lucidez, de forma admirable. Tan pronto como se restablecía de un período de enfermedad, se entregaba frenéticamente a la composición, trabajando de modo incansable. No sólo escribía las melodías principales ni se limitaba a las obras para piano, sino que pese a estar en un estado físico y mental muy degradado, escribía la instrumentación sinfónica completa de todas sus obras, hasta la extenuación.
Tras recobrarse de esta crisis, en 1834 fundaría la revista Neue Leipziger Zeitschrift für Musik que dirigió hasta el fin de su vida. Es en esta publicación donde da rienda suelta a su crítica musical, considerada en aquella época como excéntrica, pero que hoy día etiquetaríamos como visionaria. A principios del siglo XIX, compositores como Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Carl Maria von Weber eran vistos como figuras menores, por lo que se consideró una excentricidad que Schumann los elevara como grandes compositores, por no hablar de su aprecio a figuras contemporánea, como Chopin o Héctor Berlioz
En 1850 fue nombrado director musical en Düsseldorf, pero una enfermedad mental, que padecía desde la adolescencia, le hizo dimitir en 1854. Ese mismo año, tras un intento de suicidio, fue ingresado en una clínica para enfermos mentales en Enderich, cerca de Bonn, donde el 29 de julio de 1856 murió. Como uno de los arquetipos entre los compositores románticos, Schumann se identificó con dos figuras imaginarias, el enérgico Florestan y el poético Eusebius, nombres con los que firmaba sus artículos y cuyos retratos representó en la suite para piano Carnaval (1834-1835). Durante 1840, tras su boda con Clara Wieck, se dedicó a componer canciones. Compuso ciento treinta y ocho, entre las que se encuentran las colecciones de Liederkreis (dos ciclos con textos de Heinrich Heine y Joseph Eichendorff), Myrthen (con textos de varios poetas), Amor y vida (con texto de Adelbert von Chamisso), y Los amores del poeta (sobre textos de Heinrich Heine). Supo poner de manifiesto el sentido profundo de los poemas y otorgó a la parte de piano el papel de expresar los sentimientos y significados de cada uno de ellos, incluyendo con frecuencia largos epílogos al final de cada canción.
Cuando estaba angustiado por la epidemia de cólera que asolaba Europa por esas fechas, el 27 de febrero de 1854,Schumann se arroja al Rin y es rescatado a tiempo, pero su mente ya se ha perdido para siempre. Es internado en un sanatorio privado en Endenich cerca de Bonn Alemania, donde permanece hasta su muerte el 29 de julio de 1856. Tenía sólo 46 años. Muere víctima de la sífilis. Fue enterrado en Bonn, y en 1880 se erige sobre su tumba una estatua de A. Donndorf.
Definitivamente nos agrega, .epdlp.com, las composiciones de Schumann para piano suelen ser expresiones musicales sobre temas literarios y estados de ánimo. Con excepción de la Fantasía en do mayor (1836) y los Estudios sinfónicos (1854), sus obras para piano son colecciones de piezas cortas en las que una pequeña idea deriva en la creación de toda la obra a través de una sencilla organización. Además del Carnaval, compuso Mariposas (1829-1832), Escenas de niños (1838), Kreisleriana (1838) y Album para la juventud (1848). A pesar de que en sus obras largas no consiguió la unidad formal que poseen las canciones y las piezas para piano solo, sí logró música de gran belleza, a la vez que dramática. Son de resaltar la Sinfonía nº 1 (1841), el Quinteto para piano en mi bemol mayor (1842), el Concierto para piano en la menor (1845), la Sinfonía nº 2, la Sinfonía nº 3 Renana (1846), y el Trío para piano (1847). La Sinfonía nº 4 fue totalmente innovadora, ya que los cuatro movimientos aparecen unidos y se ejecutan sin interrupción. Otras composiciones son el coral El paraíso y la Peri (1843), y una ópera, Genoveva (1847-1848), que no tuvo demasiado éxito
A todo ello hay que señalar, que en su vida, aunque acabó imponiéndose la música, nunca abandonó la escritura de poemas en la más pura tradición romántica, la de sus admirados Goethe, Schiller, Novalis, Byron y Hölderlin. Fue, además, fundador y redactor de la Neue Zeitschrift für Musik (1834), publicación que se convirtió en el órgano difusor de las teorías musicales más progresistas de su época, a través de una serie de artículos apasionados y polémicos redactados por él mismo
Nos agrega, biografiasyvidas.com, que siendo alumno de piano de Friedrich Wieck, en casa de éste encontró a la que, y a pesar de la inicial oposición paterna, desde 1840 sería su esposa: Clara Wieck (1819-1896),excelente pianista que se convertiría en la principal intérprete de su música para teclado, además de ser también ella una apreciable compositora. El deseo de Schumann de llegar a ser un virtuoso del piano se truncó a causa de una lesión en la mano derecha, de la que no consiguió recuperarse.
A raíz de su matrimonio, el compositor alemán, que hasta ese momento había centrado su producción en la música para piano y el lied, empezó a concebir proyectos más ambiciosos, tanto sinfónicos como camerísticos y operísticos, estimulado por su esposa. La primera de sus cuatro sinfonías data de 1841, mientras que su célebre Concierto para piano en la menor es sólo cuatro años posterior.
No cabe la menor duda como se comenta, que su obra supone una de las cumbres del romanticismo y que destacada por el espléndido tratamiento del piano y de la voz. De su obra orquestal sobresalen sus sinfonías (segunda, de 1845-1846; tercera o Renana, de 1850; y cuarta, de 1841), el Concierto para piano (1841-1845), el Concierto para violoncelo (1850) y el Concierto para violín (1853). De su música de cámara son interesantes el primer trío en re menor (1847), el primer cuarteto en la menor (1842), los Escenas de cuentos para viola o violín y piano (1851), las dos sonatas para violín y piano (1851), las Cinco piezas en tono popular para violoncelo y piano (1849) y las Fantasías para clarinete y piano (1849).
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10 Febrero 2009
Johannes Brahms
CARMORVAN
Uno de los grandes clásicos del Romanticismo, muy amante de la naturlaeza.De carácter reservado, con problemas para relacionarse con las mujeres . Hijo predilecto de la ciudad de Hamburgo. Títulos honoríficos de las Universidades de Cambridge y Breslau.
Tal como lo ha escrito epdlp.com/nació en Hamburgo el 7 de mayo de 1833. Después de estudiar violín y violonchelo con su padre, contrabajista del teatro de la ciudad, Brahms se especializó en el piano y comenzó a componer bajo la tutela del maestro alemán Eduard Marxsen, cuyo conservador gusto musical dejó una profunda huella en él. En 1853 inició una gira de conciertos como acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. Durante esta gira conoció al violinista, también húngaro, Joseph Joachim, quién lo presentó al compositor alemán Robert Schumann. Schumann se quedó tan sorprendido con las composiciones de Brahms, obras aún no editadas, que escribió un apasionado artículo en una revista de la época sobre el joven compositor. Brahms cobró un sincero afecto a Schumann y su mujer, la famosa pianista Clara Josephine Schumann, y esta amistad y el aliento que recibió de ellos le proporcionaron energías para trabajar sin descanso. Muchos biógrafos han escrito sobre la atracción que sentía Brahms por Clara, aunque nunca se la reveló abiertamente, ni siquiera tras la muerte de Schumann en 1856, y jamás se casó.
Concretamente nos indica wikipedia, que fue hijo del contrabajista Johann Jakob Brahms (quien le dio sus primeras lecciones de música) y de Hersika Cristina Nissen. Pronto Brahms se reveló como pianista aventajado, por lo que, siendo aún adolescente, contribuyó a los ingresos familiares con el dinero que ganaba impartiendo clases, tocando el piano en restaurantes, bares e incluso burdeles.
Brahms dio recitales de piano en público pero no tuvo el éxito deseado, aunque más tarde tocaría él mismo en los estrenos de sus dos Conciertos para piano. Comenzó a componer y durante un tiempo tampoco consiguió que el público mostrase interés por sus obras. En 1853 realizó una gira de conciertos como acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. Durante el viaje tuvo ocasión de conocer a Joseph Joachim, quien le presentó a Robert Schumann. Este último, además de compositor era editor de una revista prestigiosa de música, y atrajo la atención de los críticos y empresarios de música sobre el joven Brahms, lo que contribuyó notablemente a que Brahms se convirtiese en un compositor conocido y apreciado.
Aunque la relación entre Robert Schumann y Brahms duró hasta el fin de los días de Schumann, el vínculo más destacable fue el que tuvo con la esposa de éste, Clara Schumann, una pianista reconocida en aquellos momentos, compositora también y con la que estableció una larga y profunda amistad que tuvo rasgos de amor platónico. Brahms solía presentarle a Clara sus obras antes de estrenarlas; muchas veces Clara Schumann fue la encargada de estrenar algunas de las obras pianísticas de Johannes. Nunca se llegó a aclarar la relación entre ambos a pesar de producirse un distanciamiento del que no se conocen los motivos
Se dice, que muchos lo consideran como sucesor de Beethoven, y su primera sinfonía fue apodada décima sinfonía de Beethoven. Además de las ya citadas obras, compuso otras también muy apreciadas, como el Concierto para violín y diferentes Variaciones, género que cultivó con especial maestría. Fue prolífico en la composición de música de cámara y de piezas para piano solo, así como de canciones.
Como la mayoría de los compositores románticos, Brahms veneraba a Beethoven, quien ejerció una marcada influencia en él. Pero también sintió una gran admiración por los grandes compositores de la época clásica, Mozart y Haydn. Coleccionaba primeras ediciones de sus partituras y autógrafos, e incluso editaba partituras de las obras que se representaban habitualmente. Su identificación con la música del periodo clásico fue tanta que incorporó a muchos movimientos de sus obras las formas de aquella música. Por ello a Brahms se le considera el más clásico de los compositores románticos.
En su trabajo Brahms fue un perfeccionista. Una muestra de ello es el hecho de que tardase tantos años en acabar su primera sinfonía. Algunos expertos opinan que esa sinfonía en realidad no fue la primera, ya que la primera no había llegado a salir a la luz por no sentirse Brahms satisfecho con ella. Lo que es cierto es que Brahms rompía con cierta frecuencia nuevas composiciones que no estaban a la altura de sus exigencias.
Se dice, que hasta 1873 Brahms había escrito sobre todo música para piano, el instrumento que mejor conocía, y para coro y orquesta (continuó escribiendo música para piano hasta su muerte). Ese año compuso las Variaciones sobre un tema de Haydn en versión orquestada. Estas variaciones demostraron su maestría en la composición de música para orquesta y fue el comienzo de sus grandes obras, que se cuentan entre lo mejor de la composición musical de todos los tiempos. Entre sus obras maestras se encuentra la majestuosa Sinfonía nº 1 en do menor op. 68 (1876); la suave y dulce Sinfonía nº 2 en re mayor op. 73 (1877); la Obertura del festival académico op. 80 (1880), que contiene canciones de estudiantes alemanes; la sombría Obertura trágica (1881); la poética Sinfonía nº 3 en fa mayor op. 90 (1883), y la Sinfonía nº 4 en mi menor op. 98 (1885), con su emocionante y brillante final. Todas estas obras muestran una estructura muy compleja, heredada de la tradición vienesa clásica. Al contrario que sus coetáneos, Brahms rechazó el uso superfluo de nuevos efectos armónicos y cromatismos.
Se esforzó más bien por componer música de gran coherencia interna, utilizando los efectos nuevos o infrecuentes sólo para subrayar los matices estructurales internos. Así pues, sus mejores obras no contienen añadidos innecesarios: cada tema, figura y modulación están anunciadas en los pasajes precedentes
Se comenta además, que a pesar de que Brahms hizo revivir una tradición musical como ningún otro compositor había conseguido desde Ludwig van Beethoven, no estuvo completamente aislado, y la riqueza emocional del espíritu romántico impregna su música. Por desgracia, es poco lo que se sabe sobre el método de trabajo de Brahms. Era tan autocrítico que quemó todo lo que compuso antes de los 19 años, al igual que los borradores de obras más tardías
A las 8:30 de la mañana del 3 de abril de 1897 fallecía Brahms en Viena víctima de un cáncer de hígado. Sus restos mortales descansan en el Cementerio Central de Viena
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9 Enero 2008
CARMORVAN
Hungría nos ha legado extraordinarios músicos, como el caso de Bela Bartóx de que quien se sabe fue un compositor, pianista e investigador de música folclórica de Europa del Este. Bartók fue uno de los fundadores del campo de la etnomusicóloga, el estudio de la música folclórica y la música de culturas no occidentales. A ello se agrega, su identificación con la música gitana .
Wikipedia nos recuerda, que estudió piano con István Thoman y composición con János Koessler en la Real Academia de Música en Budapest. Ahí conoció a Zoltán Kodály y juntos recogieron música folclórica de la región.
Anteriormente, la idea de Bartók de la música folclórica húngara se derivaba de las melodías gitanas, así que en 1903 escribió un extenso trabajo orquestal, Kossuth, nombre del héroe de la revolución húngara de 1848, incorporando dichas melodías.
Alguien escribía sobre este extraordinario músico, que Bela Bartók. Bartók es uno de los más sobresalientes del siglo XX. Graduado de la Academia de Budapest como pianista y compositor, Bartók buscó desligarse de la hegemonía alemana en la música académica y realizó una extensa búsqueda en distintas regiones de Europa oriental y central: Hungría, Rumania, Eslovaquia, Yugoslavia y Turquía, entre otros países. Transcribió alrededor de 9 mil melodías populares campesinas que tuvieron una influencia determinante en su música. En sus melodías se pueden escuchar intervalos empleados en música popular húngara y eslovaca. Su ornamentación también tiene fuertes influencias de ornamentación croata como el glissando (el deslizarse de una nota a otra sin que haya una discontinuidad en el sonido), que se convirtió en un sello de Bartók sobre todo en la música para cuerdas. Rítmicamente, Bartók utiliza patrones asimétricos así como de danzas populares identificables en el folclor húngaro y búlgaro.
Cuando descubrió las canciones folclóricas de los campesinos magiares, comenzó a incorporarlas en su propia música y a escribir melodías con el mismo estilo.
Otra gran influencia fue la música de Richard Strauss. Este nuevo estilo emergió en los siguientes años. Bartók se estaba labrando una carrera como pianista, cuando en 1907 obtuvo un trabajo como profesor de piano en la Academia Real. Esto hizo que permaneciera en Hungría en lugar de salir de giras por Europa como pianista, y le permitió recoger más música folclórica. Mientras tanto su música comenzó a mostrar las influencias de esta actividad en paralelo a la música de Debussy que Zoltan Kodály trajo de París. Bartók escribió una buena cantidad de pequeñas piezas para piano que mostraban su creciente interés en la música folclórica.
Se agrega, que en la música de Hungría y Rumania donde Bartók se centra y donde está la mayor densidad de población gitana. Así se desprende que en la música de Bartók se encuentran depurados varios elementos de la música gitana. Cabe mencionar que él detestaba el término música gitana porque le parecía que la música atribuida a los gitanos era más bien atribuible a los húngaros o rumanos. Sin embargo, es difícil determinar una autoría a uno u otro pueblo ya que, como explicamos antes, el intercambio entre gitanos y locales fue profundo. Algunos ejemplos de esta música están en verdaderas obras maestras como el Cuarteto de Cuerdas # 4; Danzas Rumanas y Microcosmos
En 1911 escribió la que fue su única ópera, El Castillo de Barbazul. Concursó en el premio de la Comisión para las Bellas Artes Húngaras, pero le dijeron que era imposible de interpretar.
La ópera no se estrenó hasta 1918, con la condición del gobierno de que borrara el nombre del libretista, Béla Balázs del programa, debido a sus ideas políticas. Bartók rehusó, y por el resto de su vida no se sintió muy contento con las instituciones políticas de Hungría.
Después, se concentró en recoger música folclórica y arreglarla (en Europa Central, los Balcanes y Turquía). Cuando comenzó la Primera Guerra Mundial terminó estas expediciones y regresó a la composición. Béla compuso dos sonatas para violín, que son armónica y estructuralmente unas de las más complejas piezas que escribió. Escribió su tercer y cuarto cuarteto de cuerdas en 1927. El Quinto Cuarteto de 1934 es más tradicional. Escribió su sexto y último cuarteto en 1939.
Bàrtok nunca habló de su técnica compositiva, ha sido el musicólogo húngaro Ernö Lendvai quien dedicó gran parte de su vida a descubrir las bases de este sistema. Según Lendvai, la música de Bàrtok está basada en gran parte en sus investigaciones con el folklore, en especial del húngaro, y podría dividirse en dos grandes bloques, distintos en cuanto a concepción pero complementarios entre sí, llegando a alternarse incluso en una misma obra en distintas secciones; son el Sistema diatónico, basado en la música folklórica, sus modos y ritmos, en la escala acústica, y en otros procedimientos que no entraremos a valorar, y el Sistema cromático, influenciado también por el folklore, y que se basa por un lado en el Sistema Axial, y por otro en la Proporción Áurea.
Béla Bartók murió en Nueva York de leucemia. Dejó el Concierto para Viola inconcluso a su muerte, el cual fue completado por su alumno Tibor Serly.Fue enterrado en el Cementerio Ferncliff de Hartsdale, Nueva York, pero después de la caída del comunismo en Hungría en 1988, sus restos fueron transferidos a Budapest
Definitivamente, Bela Bartok es el compositor más importante que ha dado la música húngara a lo largo de su historia y una de las figuras imprescindibles en las que se fundamenta la música contemporánea.
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27 Noviembre 2007
NIETZCHE
CARMORVAN
Se ha escrito más sobre Nietzche como filósofo, por sus maravillosas obras que nos legó, pero muy poco revuelo se hizo sobre sus composiciones, ya que tenía además el talento musical,hay quienes la consideran no muy buenas. No obstante dejó algunas obras. ¿Pero que hay al respecto?
“La obra de Nietzsche se inicia como monumento a Wagner, se forja como crítica a los postulados presentes en la metafísica wagneriana, y termina como repulsa decidida y cabal a su antiguo maestro”.
Mónica Cragnolini
Se sabe, que Eric Blondel, profesor de filosofía moral en la Universidad París I-Panthéon-Sorbonne, autor de Nietzsche, le corps et la culture (éd. PUF,1986), explora la potencia de lo musical como expresión del devenir y lo real.
A pesar de la piedad o de la curiosidad de algunos incondicionales o de musicólogos, las obras musicales de Nietzsche no han dejado y no merecen un recuerdo perdurable. Era un buen aficionado, pero no bastante competente para mantener la comparación con los verdaderos compositores. No temió rivalizar con uno de ellos, del cual se burló con frecuencia Robert Schumann, al punto de criticar su Obertura de Manfred, escribiendo una obra bajo el título (Manfred-meditación). Esta composición le ha valido los sarcasmos del músico profesional, al cual le había presentado su obra, el director de orquesta Hans vön Bülow, ex -marido de Cosima, hija de Liszt y esposa de Wagner.
Señala, que bajo la irregular pero esencial influencia de Schopenhauer, Nietzsche se acercó por primera vez a la intuición de la música como expresión plena del ser, como manifestación ontológica. En El nacimiento de la tragedia, en la hermenéutica nietzscheana de lo trágico-dionisíaco, la música es pasaje extático hacia el trasfondo abismal simbolizado por el dios creador del vino.
Sin la música la vida sería un error» (Crepúsculo de los ídolos, § 33). Esta magnífica declaración de amor a la música, que Nietzsche ha repetido en sus cartas a Peter Gast y a Georg Brandes, no se limita a una pasión personal. Nietzsche no es dado a los elogios. Él ha comparado a menudo la música con Circe por su poder equívoco: La música es un hechizo, (Carmen), ella embruja, pero también pervierte y absorbe completamente a sus auditores. «Cave musicam!» -¡Cuidado con la música!- (Humano, demasiado humano. Prefacio, § 3). De una forma bastante ambigua, Nietzsche ha escrito también que ¨es un prejuicio corriente en los filósofos creer que toda música viene de las Sirenas¨. (La Gaya scienza, § 372). Lo que es seguro, es que a la declaración citada en el epígrafe, Nietzsche le confiere innegablemente un alcance metafísico. El apotegma vuelve a colocarse a nivel de las intenciones del Creador: la vida deseada por Dios para los hombres no tendría sentido si faltara la música, la Creación estaría perdida si el mundo no incluyera la música. He aquí pues una suerte de Gloria in excelsis bajo la pluma del ateo Nietzsche, dirigido no a Dios, sino al mundo y a la vida. Sin música, la vida sería un error, así como, sin el Amor, la gracia y el Poder absoluto, Dios no sería Dios, sería un concepto fallido, una especie de diablo cojo.
Dios ha muerto. La vida es pues la única realidad. Y Nietzsche llama amor fati, afirmación, esta aprobación de la vida y de la realidad en todos sus aspectos, trágicos, fisiológicos, sensibles, afectivos, este «Fasagen» (dire-oui) «decir-sí» al mundo y a la vida, que las problemáticas metafísicas clásicas llamaban «Teodicea» (justificación de Dios). En este sentido, se podría atrever a decir que, para Nietzsche, la música es la justificación del mundo y de la vida, el «principio de razón suficiente», mejor aún, para hablar como Leibnitz, el «principio de lo mejor».
Es sobre Wagner que Nietzsche concentra sus análisis, luego sus críticas cada vez más virulentas y finalmente sus embestidas panfletarias. Este «Privilegio» lo es, porque los dos hombres han sido bastante cercanos durante gran parte de los años 70 (el período en Basilea de Nietzsche), cuando Nietzsche se adhirió profundamente al hombre y sobre todo que amó profundamente su música, cuando incluso le opone públicamente (post mortem), sin que por otra parte creérselo mucho en su fuero interior, la Carmen de Bizet. Y es este conocimiento íntimo del hombre y de la obra que hace que Nietzsche haya visto en Wagner, el símbolo por excelencia de lo que aborrecía y temía como decadente, demagógico, anti-artístico y moralizador en la cultura alemana y –es necesario decirlo- en él mismo, un poco de la misma manera que ha combatido violentamente en él mismo y en la filosofía, este epítome del pensamiento metafísico, que era a su manera de ver Schopenhauer.
Monica Gragnolini nos aporta sobre este tema, que las composiciones musicales de Nietzsche han sido objeto de diversas consideraciones, que van desde la absoluta denostación de las mismas (recordemos a Hans von Bülow diciendo que Nietzsche había violado a Euterpe, la musa de la música) hasta una más equilibrada visión que tiene en cuenta las dificultades en cuanto a formación musical por parte del filósofo y valora las composiciones desde este punto de vista. Es cierto que las mismas, más allá de este ámbito cercano al filósofo durante su vida, fueron poco conocidas hasta la edición de las partituras por Janz en 1976 y la aparición, desde 1992, de los compact disks con la ejecución de algunas de sus obras. Hay quienes critican la pobreza de sus composiciones y la falta de técnica, mientras que otros señalan que Nietzsche llegó a ser un dilettante dotado, y que su carácter de gran artista hallará expresión como escritor. Desde este punto de vista, sus virtudes poiéticas habrían hallado un ámbito más adecuado a sus posibilidades en la escritura. Otro tema es el de los músicos inspirados en Nietzsche, pero no ya en su música sino en su filosofía. Si bien no pudo componer tal como lo hubiera deseado, su pensamiento resuena en otras músicas. Más de un centenar de compositores han incluido al filósofo de alguna manera en sus obras. Algunos de esos compositores, como Delius, se asumieron como lectores apasionados del filósofo alemán, otros, como Richard Strauss, quisieron homenajearlo a pesar de que su simpatía hacia el filósofo no fuera constante,y alguno, como Mahler, reconoció explícitamente la influencia del pensador en su vida. Es significativo que muchas de las composiciones musicales relacionadas con Nietzsche abreven en Así habló Zarathustra, la obra que Nietzsche consideraba una sinfonía y que responde, en parte, a la estructura musical de este tipo de composiciones. Tal vez podría decirse que los músicos han captado lo que muchos filósofos académicos no han sabido o no han querido ver: que la filosofía nietzscheana más afirmativa se halla en el Zarathustra, y que esa afirmatividad se implica necesariamente con la música, de una manera tan cercana que sólo atravesados por ese discurso musical podríamos establecer la necesaria contrapartida de la distancia para intentar entender de qué se trata.
servido por carmorvan
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